Klaus-Martin Treder / Colour Garden

Opening: 27. Mai 2016 / 6 - 10 pm
Duration: 27. Mai - 4. Juli 2016

download: pdf

Die Ausstellung "Colour Garden" von Klaus-Martin Treder (geb. 1960 in Biberach; lebt und arbeitet in Berlin) präsentiert eine zusammenhängende Serie von acht gleichformatigen Leinwänden nebst einem die volle Raumhöhe ausnutzenden skulpturalen Arrangement verschiedenfarbiger und minimal gebogener Metallgestänge.

Indertat wandelt der Besucher und Betrachter zwischen den hohen schmalen und je von einem farbigen wie flächendeckenden Grundton bestimmten Malereien wie durch einen "Garten" so virtuoser wie vielschichtiger und verführerischer Bildschönheiten.

Jede Leinwand wartet mit einer monochromen, satten Allover-Farbschüttung auf, die mitunter einer Kraterlandschaft gleicht. Über diese Farblandschaft verteilen sich Tropfen und Spritzer, isoliert oder in konzentrierter Ansammlung, Ton in Ton oder farbig abgesetzt, außerdem – unvermutet, da von weitem rein malerisch in ihrer Wirkung – Gegenstände wie Kosmetika, Seife, Kunstnägel, Kaffeebohnen, Lakritze und andere Haribo-Süßigkeiten, Plastikverschlüsse oder ein Asthmaspray. Der verrutschte Nagellack zieht seine Spur durch die Farbfläche und wird hierüber indirekt zum Malwerkzeug. Die Farbtropfen hingegen gerieren sich künstlich abgehoben, aufgesetzt, überdeutlich mit Schattenwurf erkennbar appliziert, was zugleich bedeutet, dass sie unabhängig vom Bild hergestellt und nachträglich hinzugefügt wurden. Die Physis der Farbmaterie kommt in den unterschiedlich ausfallenden Tropfenformen plastisch intensiv zur Anschauung. 

In den Bildern Treders tritt die Farbmaterie seit 2006 in Schüttungen, Drippings oder Malerei-Applikationen auf, die – wie hier – mal extrem augenfällig als synthetische Collage am Bild befestigt sind, mal – wie in anderen Werkgruppen – unerkannt im Bild verschwinden. Die künstlerische Praxis des sichtbaren Malprozesses, insbesondere des sogenannten Spontangestus', wird dieserart theoretisiert und ein zuvor unbekanntes Kalkül eingeführt. Der Farbauftrag versteht sich als konzeptuelles Malereizitat. Aus diesem Grund beginnt Treder, den Klecks zu simulieren, diesen wie auch die Schüttungen als Collageelement auf der Leinwand zu applizieren und diesen Elementen im bildnerischen Zusammenhang ihre spezifische Rolle zu übertragen.

Angesichts dieser Methode wird offenbar, Treders Verhältnis zur Geste ist zweifellos analytisch und eher rhetorisch. Als collagierte Geste ereignet sich die Malerei zweifach abstrahiert im Bild und bildet anhand von Applikationen und Attrappen eine Metaebene. Malerei wird zur Handlung, die ihre kalkulierten Spuren offenlegt. 

Über die Gegenstände im Bild entsteht ferner eine Spannung: zwischen dem vermeintlich subjektiven Ausdruck der Malerei im Kunstwerk und dem fremden, vorgefundenen Material, zwischen Individualität und Massenprodukt, zwischen privat und öffentlich. Die Selbstbezogenheit und der Selbstausdruck der Malerei – obgleich nur vorgetäuscht, dennoch wirksam – prallen auf das Objektivierte des allgemein Verfügbaren, des Ready-mades. Doch geschieht über die Konfrontation hinaus die malerische Synthese: die Dreidimensionalität der Gegenstände geht über in das Zweidimensionale des Bildes, wird integraler Teil einer Inszenierung, deren Ziel das Bild ist und der zugleich Marcel Duchamps Auffassung zugrunde liegt: „Da die Farbtuben, die der Künstler verwendet, fabrizierte Fertigprodukte sind, müssen wir schließen, dass alle Bilder der Welt assisted Ready-mades und auch Assemblagen sind.“

Dass Klaus-Martin Treder die Malerei aus einem analytischen Impetus heraus reflektiert, zeigt sich auch daran, dass er seine malerischen Ansatzpunkte mit zahlreichen Versuchsreihen begleitet. Übergeordnet hierzu entstehen die Werkgruppen der Bilder und auch die der Skulpturen und Objekte, deren Genese aus dem Bild heraus seit 2004 zu einer eigenständigen Arbeitseinheit geführt hat.



text englisch

Klaus-Martin Treder / Colour Garden

May 27 to July 4, 2016
Opening: Friday, May 27, 2016, 6-10 p.m.

In the exhibition entitled “Colour Garden,” Klaus-Martin Treder (born in 1961 in Biberach; lives and works in Berlin) presents an interconnected series of eight equal-sized canvases as well as a sculptural arrangement in different colors, featuring minimally curved metal rods and utilizing the room’s full height.
As visitors and viewers walk between the high, narrow paintings, each in a basic all-over color, they feel like they are actually walking through a beautiful garden of impressive, multifaceted and seductive paintings.

Every canvas serves up a rich, monochrome splash of color that covers the canvas all over, at times creating the effect of a cratered landscape. Drops and splatters are scattered across these color landscapes, isolated or in concentrations, in various shades of the same tone or in different colors for contrast. Moreover, the paintings are also populated with objects, including cosmetics, soap, fake nails, coffee beans, licorice, and other Haribo candy treats, plastic twist ties, or an asthma inhaler – objects you wouldn’t expect to see because they look painterly from a distance. Smears of nail polish leave a trail across the colored surface, thereby indirectly becoming a painting tool. By contrast, the drops of color look like they are artificially elevated, grafted on, applied hyper-distinctly to cast visible shadows, which simultaneously shows that they were produced independently of the image and added later. The physicality of the color material takes plastic shape in the variously formed drops and emerges intensely for us to contemplate.

In his paintings, as in his sculptures and objects, Klaus-Martin Treder appropriates art-historical memories of such strategies as the Readymade or Minimal art. He combines these with references to the methodologies of piracy by assembling everyday components. However, Treder is affected differently by this culture of sampling, remixing and mashups that has been adapted from fashion, music and design. Instead, it makes him ask tongue-in-cheek questions that are situated halfway between everyday life and the art world – questions like “Why a picture?” and “Why painting?”. The homogeneity of his canvases negates any inscription of a personal style, segueing as it does from a position of “atemporality” (William Gibson) and as such putting the emphasis on an elastic understanding of the present.  But it also steers clear of playing with the promiscuity of styles, in that Treder keeps insisting on the performative and decidedly material dimensions characterizing the act of image generation.

Color material has surfaced in Treder’s paintings since 2006, always in the form of poured elements, drippings or paint applications, which – like here – are sometimes extremely obvious in their attachment to the painting in the form of a synthetic collage.
The artistic practice that visually foregrounds the painting as process, in particular the so-called spontaneous gesture, is hereby theorized while a previously unknown element is introduced. The application of color is to be understood as a conceptual citation of the art of painting. For this reason, Treder begins to simulate blobs, to apply the blobs and poured elements to the canvas in the form of collage elements, and to give these elements their specific role in the pictorial context.

In view of this method, it becomes clear that Treder’s relationship to the gesture is clearly analytical and even rhetorical. As a collage-borne gesture, the art of painting takes place as an event in the image – if doubly abstracted. By putting to use the various applications and mockups, it manages to establish a metalevel. Painting becomes an action that discloses its calculated traces.

In addition, there’s a tension created by way of the objects in the painting: A tension between the supposedly subjective expression of painting within the artwork and the alien material embedded within; between individuality and mass product, between private and public. The sense of self-sufficiency and self-expression assigned to the art of painting – still effective, even if just feigned – collides with the objective aspect of that which is generally available, the Readymade. But the confrontation becomes the occasion for something beyond, a painterly synthesis: The three-dimensionality of the objects morphs into the two-dimensionality of the image, thus becoming an integral part of the staged enactment, whose goal is to create a picture which, at the same time, is based on Marcel Duchamp’s approach to art: “Since the tubes of paint used by the artist are manufactured and readymade products, we must conclude that all the paintings in the world are ‘readymades aided’ and also works of assemblage.”

That Klaus-Martin Treder conceives of painting as the product of an analytical impulse is further evident from the fact that he launches several test series to accompany his various forays into painting. At a higher level of categorization, it is this conceptualization that serves as origin for his various work groups of pictures as well as his work groups of sculptures and objects which, in 2004, were born from the pictures and since then have acquired the status of an independent body of work.